Et voilà, le festival de Gérardmer, édition 2012, s’est terminé dimanche dernier, et pour une première expérience là-bas, je dois dire que j’ai été ravie.
Une programmation intéressante et diversifiée, une organisation assez carrée pour gérer les afflux de spectateurs : c’était rondement mené.
Le festival est aussi rendu agréable par son cadre, cette petite ville des Vosges très accueillante et chaleureuse…
Je vous laisse lire un bilan plus approfondi du festival sur filmdeculte.com.

Vous aviez pu déjà suivre les billets de la rédaction de FilmDeCulte sur le blog de la rédaction, ; voici maintenant quelques mots sur les films que j’ai vu pendant ces 4 jours.

Twixt, de Francis Ford Coppola (ouverture)

Retour au gothique pour Coppola après Dracula, pour ce film très étrange qui a énormément divisé les spectateurs. Filmé en vidéo, l’image du film est très particulière, a des aspects très artificiels, qui sont accentués par certains choix de mise en scène (par exemple, des nuits américaines). Inspiré d’un rêve qu’il a eu lui-même, et du décès de son propre fils, Coppola nous livre ici une œuvre très personnelle, mais qui dit beaucoup sur la fiction, le romantisme (avec entre autres la présence d’Edgar Allan Poe), à travers un ton onirique toujours un peu sur le fil du grotesque. Val Kilmer est parfait en sous Stephen King bouffi, et Elle Fanning toujours étincelante en apparition pâle et colorée.

Note : 5 out of 6 stars

Beast, de Christoffer Boe (compétition)

Film très singulier sur le couple, la passion, l’adultère, la vengeance, avec cet homme habité par quelque chose qui le rend de plus en plus possessif envers sa femme, et de plus en plus agressif, sanguinaire.
Mon avis plus détaillé ici.

Note : 4 out of 6 stars

Beast a remporté le prix du Jury (ex-aequo).

La Maison des Ombres (The Awakening), de Nick Murphy (compétition)

C’est l’un des films que je redoutais le plus de voir, car j’ai une peur profonde des enfants fantômes. Cela n’a pas raté, j’ai été terrifiée, mais le film m’a aussi énormément plu. Assez classique dans la forme, la mise en scène ne devient réellement inventive que sur la fin du film, mais Rebecca Hall est parfaite dans le rôle principal, et la construction est très efficace.
Mon avis plus détaillé ici.

Note : 5 out of 6 stars

La Maison des Ombres a remporté le prix du Jury (ex-aequo), le prix du Jury Jeunes et le prix du Jury Syfy.

Pastorela, de Emilio Portes (compétition)

Farce mexicaine autour d’une pièce de théâtre traditionnelle (la pastorela du titre) mettant en scène le diable. Avec son esthétique des années 70, le film a semblé beaucoup emballer les festivaliers, s’amusant devant les facéties de Joaquín Cosio, l’acteur principal, et riant aux éclats devant des scènes pseudo subversives sur le monde de l’église. Pour ma part, je n’ai traîné qu’un vague ennui à cette séance, ne souriant qu’assez rarement, malheureusement, malgré quelques bonnes idées et l’absurdité délirante de l’ensemble.

Note : 2 out of 6 stars

The Day, de Douglas Aarniokoski (hors-compétition)

Un monde apocalyptique, deux grandes catégories de survivants qui s’affrontent : nous suivons un petit groupe de l’une d’entre elles, dans leurs façons de faire face à l’environnement hostile dans lequel ils évoluent. Dominic Monaghan (Charlie dans Lost, Merry dans Le Seigneur des Anneaux…) incarne le leader de ce petit groupe, et on retrouve aussi Shannyn Sossamon (Les lois de l’attraction) ou Shawn Ashmore (Iceman dans les X-Men). La photo est assez monochrome, les peaux sont sales, les corps sont fatigués : on y croirait presque. Mais tout ceci est tellement bien ficelé, les personnages sont tellement caractérisés qu’on se croirait presque dans un pilote de série télé. Cela se suit sans ennui, les péripéties, bien que prévisibles, s’enchaînent bien, jusqu’à un final assez prenant. Mais tout ça manque un peu de sincérité, tout est un peu creux, un peu en deux dimensions, et on reste du coup assez extérieur à cette intrigue qui pourrait être beaucoup plus touchante que ça.

Note : 3 out of 6 stars

Hell, de Tim Fehlbaum (compétition)

Dans un monde desséché par les brûlures du soleil, le film suit principalement un personnage de femme dans sa lutte pour la survie, et dans ses rencontres, bonnes ou mauvaises. L’ambiance du film est très particulière, bien rendue, la réalisation est très honnête et le scénario est plutôt bien vu, mais j’avoue avoir décroché du film à plusieurs reprises à cause d’un certain manque de rythme et de la faible tension générale.

Note : 3.5 out of 6 stars

Norwegian Ninja, de Thomas Cappelen Mailing (hors-compétition)

Un titre prometteur, et au final ce ne fut que la séance « sommeil mérité » de milieu de festival. La douce torpeur qui a d’ailleurs envahi plus de la moitié de la salle n’est pas mensongère : ce petit film norvégien a un rythme bien à lui, n’hésitant pas à enchaîner les séquences interminables de sous-marins, d’échanges dialogués improbables et de scènes d’action assez molles. Évidemment, ayant dormi, je ne vous en livrerai pas une analyse poussée, mais ce que je voyais à l’écran entre deux décrochages de tête ne m’a pas spécialement donné envie de m’accrocher, malgré cette ambiance Guerre Froide pas antipathique.

Note : 1.5 out of 6 stars

Emergo, de Carles Torrens (hors-compétition)

Film à la Paranormal Activity à base de caméras de surveillance captant des phénomènes surnaturels et terrifiants. Là encore, ça m’a fait très peur, mais pour le coup j’ai trouvé ça assez vain, même si au final on a une conclusion assez inattendue. Le procédé me fatigue vite, et me crispe un peu. A conseiller pour les fans du genre néanmoins.

Note : 2 out of 6 stars

The Cat, de Seungwook Byun (compétition)

Des chats maléfiques et des petites filles fantômes, autant dire le comble de l’horreur pour moi rassemblé en un même film. Et le fait est que j’ai dû détourner le regard plusieurs fois. Mais au fond, ce film coréen n’invente pas grand-chose, et ressemble de très près à Darkwater, dans le même genre. Pas très original, un peu longuet, bref, rien de bien brillant.

Note : 2 out of 6 stars

The Moth Diaries, de Mary Harron (compétition)

Placé dans le cadre d’une pension pour jeunes filles, ce film aborde le vampirisme d’une façon inhabituelle, presque métaphorique et imaginaire. Le cœur du film se situe dans les relations des jeunes filles entre elles, en particulier entre Rebecca et Lucy, meilleures amies au départ, bientôt troublées par l’arrivée d’Ernessa (fascinante Lily Cole). J’attendais beaucoup de ce film-là, peut-être trop, et j’ai été un peu déçue, plaçant peut-être trop d’espoirs virginsuicidesques dans tout ça. En fait, le film a son style propre et ses interprètes sont assez parfaites chacune dans leur rôle. Un film étrangement et doucement envoûtant.

Note : 4 out of 6 stars

Chronicle, de Josh Trank (hors-compétition)

Des super-héros pour de vrai, avec pour témoins des caméras vidéo opérées par les personnages : voilà quelque chose qu’on n’avait pas encore vu, même si Cloverfield a déjà aplani un peu le chemin. Ici, c’est surtout le début du film qui est vraiment réussi, avec son héros loser, interprété brillamment par Dane DeHaan, que j’avais déjà repéré – et adoré – dans la saison 3 de In Treatment (série, qui décidément regorge d’acteurs à (re)découvrir, après Mia Wasikowska). Je trouve assez fascinante la manière qu’a le film de présenter son personnage, avec sa caméra omniprésente, ses (non-)relations avec ses camarades et sa famille… Puis le film prend un virage avec l’arrivée des super-pouvoirs, et devient franchement divertissant. Cliquez si vous ne craignez pas les spoilers

Note : 4.5 out of 6 stars

Perfect Sense, de David Mackenzie (hors-compétition)

Ah, celui-là, je l’attendais. Pourquoi ? Un virus. Ewan McGregor. Eva Green. Il ne m’en fallait pas plus. Mais le film, présenté à Sundance l’an dernier, se traînait une assez mauvaise réputation… Je n’en attendais donc plus grand-chose. Et ce fut la bonne surprise du festival… Un film sincère, une belle histoire d’amour, le naturel et le pétillant d’Ewan McGregor et de Eva Green… mais surtout un scénario solide, bien construit, une vision de fin du monde qui n’en est pas une, un désespoir lumineux… Je vous laisse en lire plus sur mon avis détaillé ici.

Note : 5 out of 6 stars

Babycall, de Pål Sletaune (compétition)

Film norvégien assez âpre sur une mère terrorisée après les tortures que son mari a fait subir à son fils. Elle achète un babyphone pour le surveiller la nuit mais capte des cris très inquiétants… Très tendu, très psychologique, autour de cette mère aliénée mais aussi de son ami, autrefois victime de violences, Babycall est un bon film mais la mise en scène très tranquille en font un objet un peu sage, sans grand éclat. Avec des airs de téléfilm (remarque stupide mais difficile à refouler), je pense que j’ai dû passer à côté de ce qui fait le nerf de ce film. Noomi Rapace, que j’ai découverte ici, est plutôt bien même si on a un peu l’impression que n’importe qui aurait pu jouer le rôle.

Note : 3 out of 6 stars

Babycall a remporté LE Grand Prix, ainsi que le prix de la Critique.

Invasion of Alien Bikini, de Oh Youngdoo (hors-compétition)

Passée la bonne surprise qui fait que ce film ne va absolument pas là où on l’attend, jouant avec les nerfs des spectateurs venus voir de jolies filles asiatiques dénudées, il faut dire que tout part un peu dans tout les sens, le scénario est bancal, l’interprétation très inégale.

Note : 2 out of 6 stars

Mother’s Day, de Darren Lynn Bousman (section extrême)

Voilà un film qui aurait pu être drôle s’il n’était pas complètement nul. Rebecca de Mornay en mère-poule-méchante en fait des tonnes et semble se gargariser de sa propre performance, pourtant risible ; Jaime King se contente d’ouvrir grand ses yeux ; on retrouve l’ami Shawn Ashmore vu précédemment dans The Day dans un rôle de médecin aussi crédible que ne le serait Rihanna en archéologue. Les personnages rivalisent de bêtise, le scénario s’embourbe à chaque minute – et il y en a 114.

Note : 0.5 out of 6 stars

Beyond the Black Rainbow, de Panos Cosmatos (hors compétition)

Un OVNI cinématographique qui m’est complètement passé au-dessus de la tête. Je n’en parlerai pas car j’en parlerais mal, mais bon, il faut s’accrocher, c’est un parti-pris de mise en scène très contemplatif, à côté duquel 2001 aurait des airs de Michael Bay.

Note : 2 out of 6 stars

Et voilà ! Il me reste à rattraper Eva, de Kike Maillo, qui a remporté le prix du Public.

Pour retrouver d’autres détails sur le programme, le palmarès, ou autre, rendez-vous sur le site officiel du Festival de Gérardmer.

On croise très fort les doigts pour que le festival soit subventionné comme il le mérite, suffisamment pour que voie le jour sa 20ème édition, en 2013 !

Merci encore à FilmDeCulte et à sa rédaction !

Cette année, pour la première fois, je suis au festival de Gérardmer.

Vous pourrez suivre les avis de mes camarades de FilmDeCulte et moi-même sur le blog de la rédaction !

Pour l’instant, c’était très amusant de prendre le train avec le jury et quelques autres invités prestigieux, tels que Vincent Desagnat (hm, googlez-le si ça ne vous dit rien, et si ça ne vous dit toujours rien, ma foi, tant pis), Tomer Sisley, Tonie Marshall, Jean-Pierre Jeunet, Jean-Jacques Annaud, et le très impressionnant Ron Perlman, auquel le festival rend un hommage cette année.

Ron Perlman

C’est parti pour 5 jours d’air pur, de fondue et de salles obscures !

Je n’ai hélas pas pu y assister personnellement, mais j’avais un envoyé spécial qui a filmé pour vous la présentation du film Millenium, les hommes qui n’aimaient pas les femmes à l’avant-première qui a eu lieu le mardi 3 janvier 2012 à l’UGC Normandie, à Paris.

Étaient présents l’acteur Daniel Craig, alias le James Bond du moment, l’actrice Rooney Mara, qui interprète le passionnant personnage de Lisbeth Salander dans le film, et David Fincher, réalisateur.

Profitez-en, ça bouge et ça va vite !

Sabina Spielrein, une jeune femme souffrant d’hystérie, est soignée par le psychanalyste Carl Jung. Elle devient bientôt sa maîtresse en même temps que sa patiente. Leur relation est révélée lorsque Sabina rentre en contact avec Sigmund Freud…

Avec un duo d’acteurs pareil (Viggo Mortensen face à Michael Fassbender), et un sujet qui semblait clairement jouer sur la relation entre les deux personnages, les deux figures que sont Freud et Jung, je m’attendais à un jeu de ping-pong entre les deux, à une réflexion sur leurs rapports, à une belle rivalité.

Malheureusement, ce sujet, prometteur bien qu’un peu racoleur, n’occupe qu’une partie minime du film de Cronenberg. Et c’est dommage, car on voit finalement assez peu Viggo Mortensen, pourtant très bon dans un registre assez minimaliste, cigare en bouche et sourire discret. Le film se concentre très largement sur le personnage de Jung ; je n’ai rien à y redire, on l’aime bien, notre Michael. Et il est très bon dans ce rôle, aussi, incarnant parfaitement les doutes, les idéaux du personnage : face aux certitudes de Freud, centrées sur la sexualité, Jung oppose une résistance salvatrice, et une volonté d’aller plus loin, d’explorer des mondes inconnus, parfois à la frontière du rationnel. Démarche qui pourrait être passionnante à creuser, mais non, le film préfère s’attarder sur la relation de Jung avec Sabina Spielrein, sa patiente hystérique, la façon dont il va la guérir et l’amener à être elle-même médecin. Relation intéressante certes, mais Keira Knightley, après de premières scènes « de folie » assez difficiles à supporter tellement elles sont fabriquées et tellement elle est laissée seule dans le cadre avec ses mâchoires, n’offre que peu de profondeur à son personnage, le rendant par la suite relativement lisse, malgré quelques beaux moments de rébellion contre l’univers mâle qui se dresse devant elle.

A part quelques scènes à sensations, Cronenberg recourt à une mise en scène très sobre, et qui, malheureusement, finit par ennuyer.
A tort peut-être, car sous la surface, le film bouillonne de mille conflits internes. On le sent en particulier dans l’effort mis sur la bande originale du film, signée Howard Shore, qui joue un vrai dialogue avec les partitions de Wagner, autre grand homme marquant de cette époque ; sa présence permanente et quasi inconsciente pour le spectateur (même si Siegfried est évoqué à plusieurs reprises) rajoute sans aucun doute une couche de sens importante au film. Comme si ce que l’on voyait à l’écran n’était pas toute la vérité, comme si la science seule ne suffisait pas, et qu’elle devait être secondée par l’art, et par les mythes, pour parvenir à déchiffrer, peut-être, des fragments essentiels.

Très (trop ?) cérébral, ce film perd probablement une partie de son public en donnant une fausse impression d’académisme. Alors qu’il mériterait une analyse minutieuse qui ne manquerait sûrement pas d’être fructueuse.

Ce lundi avait lieu à l’UGC Ciné Cité Les Halles une avant-première du film A Dangerous Method, de David Cronenberg.

Une partie de l’équipe du film était là : hélas, sans Michael Fassbender, mais avec David Cronenberg et Viggo Mortensen (prévus dès le départ), et en plus Vincent Cassel, ainsi que les producteurs Martin Katz et Jeremy Thomas.

Le tout était présenté par… Vincent Perrot ! Qui ? Mais si, rappelez-vous, ce présentateur désormais complètement has been. Besoin d’argent ? Ami du directeur d’UGC ? Je ne sais pas, mais en tout cas l’avant-première était bien mieux organisée, et sa présentation bien plus carrée que celle du MK2 Bibliothèque, salle encore peu rompue à cet exercice délicat…

A suivre bientôt, mon avis sur le film… mais ce que je peux déjà vous dire, c’est que j’ai un peu dormi.

Dans un jardin public, deux enfants de 11 ans se bagarrent et se blessent. Les parents de la « victime » demandent à s’expliquer avec les parents du « coupable ». Rapidement, les échanges cordiaux cèdent le pas à l’affrontement. Où s’arrêtera le carnage ?

Après la très bonne surprise de The Ghost-Writer, son précédent film, Roman Polanski monte d’un cran dans le huis clos et adapte ici une pièce de Yasmina Reza, Le Dieu du carnage. Querelles de parents, disputes d’adultes dont on comprend vite qu’elles ne valent pas mieux que les chamailleries sauvages de leurs fils… Voilà de quoi donner du grain à moudre aux quatre acteurs, uniques (ou presque) personnages du film.

Évidemment, l’intérêt est là. Qui pourrait être assez fou pour ne pas vouloir voir Kate Winslet, Jodie Foster, Christoph Waltz et John C. Reilly jouer ensemble ? Bien sûr, le côté « théâtre filmé » n’est jamais très loin, et l’écriture, toute en crescendo quant à l’état des protagonistes, les oblige parfois à verser carrément dans le surjeu. Cela dépend en fait un peu de leur personnage ; à cet égard, c’est probablement Jodie Foster la moins bien lotie. L’affiche du film est d’ailleurs assez fidèle à l’évolution des états. Les deux hommes restent finalement assez placides, malgré quelques hausses de ton ; et selon une tradition passivement misogyne, les deux femmes écopent de l’hystérie, des cris, de l’instabilité.

Passés ces petits détails (un peu gênants certes, mais attendus), on est évidemment très amusés par ces débats, ces non-dits, ce mépris rentré, ces petites piques, tant les comédiens s’amusent eux-mêmes. Quelques passages sont franchement drôles.

Au final, lorsque le film s’achève, on reste quand même un peu sur sa faim. La faute au matériau de base : sans l’avoir lue, je soupçonne la pièce de Reza de ne pas aller bien loin non plus. Finalement, tout cela reste une sorte de bon boulevard moderne, distrayant mais assez superficiel… Avec la caution « défouloir à parents », un peu rebattue.

Plaisant à voir donc, et non dénué d’une certaine cruauté, mais je préfère Polanski plus ambitieux.

Note : 4 out of 6 stars

Le film aborde de manière très frontale la question d’une addiction sexuelle, celle de Brandon, trentenaire new-yorkais, vivant seul et travaillant beaucoup. Quand sa sœur Sissy arrive sans prévenir à New York et s’installe dans son appartement, Brandon aura de plus en plus de mal à dissimuler sa vraie vie…

Le rôle de Steve McQueen dans la carrière de Michael Fassbender est primordial. S’il est vrai que c’est François Ozon qui nous l’avait fait découvrir dans Angel, c’est en revanche bien le réalisateur britannique qui, dans son premier film, Hunger, nous avait montré à quel point Fassbender est un acteur exigeant, extrême, et engagé dans son métier, à travers son interprétation de Bobby Sands, et de sa grève de la faim. Déjà, le corps de l’acteur était au cœur du film : sa transformation, son incarnation, son omniprésence, son trouble.

Désormais lancé dans une carrière internationale qui explose en cette fin d’année 2011, Fassbender n’a pas oublié celui qui lui a donné plus de visibilité et continue à travailler avec lui. Shame est leur deuxième collaboration, et là encore, tout est question de corps, un corps qui encombre, un corps qu’il faut vider, de son énergie, de ses fluides.

Le sujet est délicat, car comment traiter une addiction qui, très vite, peut glisser dans le registre du boulevard ? Justement, la frontière est fine, et le grotesque n’est jamais loin. Personnage pathétique au sens propre, Brandon, malgré ses airs d’ « homme comme les autres », souffre, fait souffrir, et nous inspire de la pitié. Une vraie tragédie grecque. On se prend d’ailleurs à craindre le pire pour sa sœur, la dure-mais-fragile Sissy, mais le pire arrive déguisé, pas vraiment là où on l’attendait.

Ces deux personnages brisés (par quoi ? on ne le saura pas vraiment, et peu importe) dont la relation est endommagée à jamais à cause de leurs blessures respectives, qui les empêchent de se lier vraiment l’un à l’autre, sont le centre émotionnel du film, ce à quoi on essaie de se rattacher, dans cet univers urbain si désespéré. Et ce n’est pas chose facile. Steve McQueen n’est pas de ces réalisateurs qui vous mettent à l’aise, vous indiquent où vos sentiments doivent pencher. Il n’y a qu’à voir comment il filme Carey Mulligan qui chante une version intimiste de New York, New York, dans un très long plan fixe qui nous oblige à nous accrocher, vaille que vaille, à mesurer les hésitations, les respirations, les moindres mouvements de bouche et de cils… Étrange et décontenançant, mais bizarrement touchant. Le film fonctionne ainsi, par petites touches d’humanité, comme ce personnage féminin « réel » interprété par Nicole Beharie, en particulier durant une scène de restaurant, fausse respiration, fausse lumière, faux espoir.

Le film est un parcours piégé. Très facile de voir de l’anecdotique et du complaisant (voire du trivial) là où se déroulent en fait des drames ; facile de voir un banal récit urbain là où on nage dans un New York littéralement infernal. On sort de la salle un peu hébété, avec l’impression de ne pas avoir tout assimilé, et même, d’avoir vu un film un peu superficiel. Et puis le temps passe, les images reviennent, pas les images-choc, mais d’autres, et tout prend plus de sens. Il est difficile de s’accrocher émotionnellement au film de façon immédiate, c’est peut-être son défaut – à moins que ce ne soit totalement voulu.

Note : 5 out of 6 stars

Une pandémie dévastatrice explose à l’échelle du globe… Au Centre de Prévention et de Contrôle des Maladies, des équipes se mobilisent pour tenter de décrypter le génome du mystérieux virus, qui ne cesse de muter. Le Sous-Directeur Cheever, confronté à un vent de panique collective, est obligé d’exposer la vie d’une jeune et courageuse doctoresse. Tandis que les grands groupes pharmaceutiques se livrent une bataille acharnée pour la mise au point d’un vaccin, le Dr. Leonora Orantes, de l’OMS, s’efforce de remonter aux sources du fléau. Les cas mortels se multiplient, jusqu’à mettre en péril les fondements de la société, et un blogueur militant suscite une panique aussi dangereuse que le virus en déclarant qu’on « cache la vérité » à la population…

Gwyneth Paltrow, Matt Damon, Kate Winslet et Jude Law sur fond de pandémie moderne : sur le papier ce film est fait pour me plaire. D’autant que le réalisateur Steven Soderbergh, prolixe et original, pouvait apporter une patte un peu particulière à tout ça.

Malheureusement, il n’en est rien, ou plutôt pas grand-chose. Difficile de savoir à quoi ça tient, car les acteurs sont bons (mention à Kate Winslet, dont la scène dans la chambre d’hôtel est réellement émouvante, à Gwyneth Paltrow en malade/mourante exemplaire, et à Jude Law en blogueur-fouineur-charlatan). Mais cela ne suffit pas, on a une paranoïa modérée,  des explications scientifiques malmenées, et une épidémie finalement peu spectaculaire, que ce soit à l’image ou dans l’imaginaire du spectateur. Le plus marquant du film est de voir tous les « contacts » qui véhiculent le virus : barre dans le métro, cuisine de restaurant, éternuements dans les transports en commun… C’est naturellement marquant, et cela frappe les esprits, mais au fond c’est présenté de façon tout à fait plate. On pourrait aller dans une sorte de folie qui rendrait complètement misanthrope et agoraphobe, car après tout le mythe de l’épidémie est avant tout une peur de l’autre et du contact ; mais non, cela reste gentillet, cela donne envie de se laver les mains en rentrant du cinéma… et puis c’est tout. Je passe sur le personnage de Marion Cotillard, aussi fade qu’inutile.

De la même manière, toute l’intrigue autour des labos, du vaccin, de la manipulation des foules, qui est vue à travers le personnage de Jude Law, est très superficielle, et surtout, jamais Soderbergh ne prend un parti. On se fiche un peu de savoir ce qu’il en pense, attention ; mais avoir un regard un peu plus tranché aurait rendu sa mise en scène un peu plus passionnante. Ici, peu importe finalement que le personnage de Jude Law ait tort ou raison, tout est simplement montré, avec une distance de sécurité un peu frustrante, car elle n’ose ni le voyeurisme (pourtant intrinsèque à ce genre de sujet), ni la précision scientifique ou documentaire.

Sur un sujet pareil il y a pourtant de quoi faire quelque chose de bien plus perturbant !

Note : 3.5 out of 6 stars

Le quotidien d’Adam, 27 ans, bascule le jour où il est diagnostiqué d’un cancer. Il l’annonce alors à sa petite amie, son meilleur ami et sa mère qui, tous trois, vont réagir différemment à la nouvelle et conduire le jeune homme à s’interroger sur la manière dont il veut vivre cette épreuve.

Le résumé ci-dessus n’indique pas tout à fait le ton de 50/50. En effet, malgré un sujet lourd et grave, Jonathan Levine choisit une approche légère qui n’a pas peur d’aller franchement dans la comédie.
Malgré tout, pas de cynisme ou de fausse pudeur ici, juste pour le principe de « faire rire autour du cancer ». Non, pas du tout. D’autant que le film ose avant tout aller dans le vif de son sujet : la maladie, la mort, les relations complexes avec les autres (amis, famille, thérapeutes), sans prendre de gants. On a ainsi des scènes en hôpital qui, sans être crues, montrent quand même ce qu’il y a à montrer.

Ce choix assez courageux est exactement le point fort de ce film. Car, évidemment, quand on va voir un film avec Seth Rogen, on s’attend à rire un peu. Ce à quoi on s’attend moins, c’est à être fortement ému, voire bouleversé par ce récit et par le sort de ce jeune homme auquel on s’est, l’air de rien, attaché pendant la première partie du film.

Joseph Gordon-Levitt prête sa beauté fragile au personnage d’Adam et cela fonctionne très bien. Inutile de chercher ici une performance plus vraie que nature : non, vous ne verrez pas l’acteur émacié, se vantant d’avoir perdu 15 kilos pour le rôle, ou d’autres choses du même acabit et d’un goût douteux. Non, ici on a la dignité de ne pas laisser croire qu’il suffit de perdre du poids pour incarner un malade. Et du coup, c’est notre imagination qui fait le reste… ce qui est bien plus redoutable.

Il y a des scènes absolument déchirantes dans le film, en particulier celles entre la mère (interprétée par Anjelica Huston) et le fils, montrant l’incapacité de ce dernier à s’ouvrir avec elle, et surtout, une scène dans la salle de bains de Seth Rogen, où Adam trouve un livre, qui est vraiment bouleversante. Ce second rôle du meilleur ami, au second plan, est d’autant plus important et subtil qu’il est directement inspiré de ce qu’a vécu Seth Rogen avec Will Reiser, l’un de ses amis qui lutta contre le cancer – et scénariste du film.

Sans être un grand chef d’œuvre, 50/50 nous cueille avec une sincérité et une sorte de simplicité qui font que l’on ressent avec acuité ce que traversent les personnages. Un troisième film réussi pour le réalisateur du film culte Tous les garçons aiment Mandy Lane.

Note : 5 out of 6 stars

Hier soir avait lieu au cinéma MK2 Bibliothèque une avant-première du film Shame, de Steve McQueen, en présence de son réalisateur, de la comédienne Nicole Beharie et surtout, surtout, de Michael Fassbender, l’un des acteurs les plus intéressants de ces dernières années – et, bonus non négligeable, l’un des plus beaux et des plus magnétiques (sans mauvais jeu de mot par rapport à son rôle dans X-Men : le commencement  !)

Je vous posterai bientôt un avis sur le film, qui est plutôt sombre et noueur de gorge, mais en attendant, une petite vidéo que j’ai pu prendre du passage express de l’équipe, à la fin de la projection. Désolée pour les mouvements intempestifs, les zooms hasardeux et les décadrages….